平面设计论文范文
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在学习、工作中,大家都不可避免地要接触到论文吧,论文是一种综合性的文体,通过论文可直接看出一个人的综合能力和专业基础。那么你知道一篇好的论文该怎么写吗?以下是小编为大家整理的平面设计论文范文,欢迎大家分享。
摘要:我们国家的绘画艺术诞生时间比较早,从先前石器时代到仓颉造字,象形字的出现都为绘画艺术奠定了基础,我们国家的民族文化博大精深,源远流长,而绘画艺术也是我们国家民族文化的一个突出标志,其是我们国家民族文化的美丽瑰宝。中国的绘画艺术具有非常重要的价值以及意义,并且其还能够干预着别的艺术类别,比方说我们国家的陶瓷作品,其就是最开始把绘画艺术结合进里面的。从远古到现在,我们人类一直都是处在多元化的社会里面,大家越来越关注艺术形式的多元化,现阶段中国绘画艺术皆已经被很多类别的艺术设计师们进行应用还有关注,尤其是新时期对于平面设计作品的影响非常大。
关键词:中国绘画艺术;平面设计作品;影响
我们国家的绘画艺术起源比较早,其是我们国家优秀文化的重要组成部分,其对平面设计师们有着深远的影响,因此,平面设计师们也纷纷的将中国绘画艺术融入到平面设计作品里面,这已经成为了平面设计的一种主流趋势。近年来,在我们国家影视传媒以及平面设计作品当中都能够看到中国绘画的身影,可以说中国绘画对于它们的发展起到了非常重要的作用。我们国家的很多平面设计领域的大师都比较喜欢将中国的水墨画注入到设计作品里面来,因为他们觉得通过添加中国绘画元素便会突出平面设计作品的亲切感,并且也能够体会到来自于中国绘画元素的艺术灵感。我们国家的优秀传统文化特别是国内的绘画艺术早就根深蒂固在大家日常的生产生活里面了,尤其在设计界其是必不可少的,它对于国内艺术设计的不断向前迈进还产生了极大的促进功效,并且我们国家的绘画艺术当中存在着很多值得大家借鉴的优质元素,无可厚非地影响着设计行业,能够干预着各界设计师的一些设计理念。
一、现代平面设计的发展历程分析
平面就是一类以几何表现出来的形态,那么在自然以及平时生产生活时候大家皆是十分熟悉的,如今平面设计已经变成当前平面广告设计里面至关重要的构成内容,我们大家经常够接触着以及感受着平面设计,在日常生产生活过程当中大部分人皆可以关注到,大家经常在坐公家车时能够看一些平面设计广告等等。平面设计的发展主要经历了几个时期,科学技术持续的迅速向前迈进使得以往的平面设计迈进至当前的多维度平面设计当中,此就是平面设计思想的持续进步,同时还凸显出了社会的不断进步下大家对于平面设计所提出的新需求。因为平面设计的不断地进步,所以就推动了品牌设计以及形象设计还有导视机制逐渐趋于完善。现阶段的平面设计师们已经不只是停滞在较为单一的版面编排方面以及初步图文整合等纸质形式的发布上面,并且由于市场的进步健全,同时信息技术飞快发展,因此,现阶段平面设计师们以及应用人员对于平面设计方面提出了非常高以及非常严格的需求,并且还越来越重视他们进行塑造的品牌形象。时代在变化,大家的思维也在逐渐地变化着,科技在不断地进步,平面设计要求适宜新时期大家的思维方式,依照社会方面的需求,设计出带着相应地创意的平面作品,凸显出平面设计人员们多维度创造的水平。
二、中国的绘画艺术
一直以来,中国绘画艺术最有代表性的就是水墨画,比如中国绘画艺术比较突出的水墨画便总是会被设计师们应用到平面设计作品里面。由于平面设计工作者一定要具备创造性理念,并且创造性理念就是一类在原有的基础上进行求同存异的形式。设计工作者们把中国的绘画艺术结合进新时期的平面设计作品里面,民族文化的便是属于世界文化的,这使得大家的平面设计作品愈加带着民族意义以及艺术意义。我们国家绘画艺术里面十分凸显出民族特点的一类便是水墨画,水墨画一直以来都受到我们国家文人艺术家的追捧,其是我们中国画里面存在着突出民族特征的一种画派,它也是对于笔墨画的一种向往,以及对于意境的另一种阐述,其也是我们国家优秀传统文化的重要组成内容,现如今水墨画已经变成大家在平面设计作品过程当中最先会想到的关键设计内容了。当前大部分平面设计作品所产生的艺术风格皆会被中国水墨画元素的形式以及美学理念干预着,因此在大家的平面设计作品里面可以展示出中国绘画艺术的别具一格以及较高地审美价值。
三、中国的绘画艺术对于平面设计作品的影响
世界各国为了实现自己民族文化的不断传承以及发扬,就应该一直传承并弘扬本国优秀传统以及正确对待外来文化,对外来文化取其精华,去其糟粕。我们国家是四大文明古国之一,我们国家五千年以来的文化产生,从三皇五帝华夏文明,至西汉以及东汉民族文化进步到最鼎盛这一时期,道教文化逐渐产生,再到大唐巅峰文明,这一时期受到了西域还有印度佛教等等文化的影响从而更加繁荣。从我们国家历史文化进步的历程能够得知,我们国家的民族文化博大精深,其包含了本国自己民族传统以及一些外来文化的精华,经过对于我们国家民族文化之一的绘画艺术进行借鉴,以此创作出来的平面设计作品便能够更好地存在着很强地艺术生命力还有较高地艺术价值。平面设计作品一般情况下需在构思方面超越具体实际内容,则在构图方面应该做到简明集中,并且在形象方面强调鲜明,同时在色彩方面应该鲜艳突出,进而醒目地凸显展示进行宣传的事物,为其增添十分广泛的内涵。在西方传统艺术角度进行观察,他们比较重视几何学空间思想,凭借模拟具体生活情况当成写实,便可以凸显设计师们的创作理念。但是国内的大部分平面设计师们皆采用“脱形写神”当成艺术向往的最高理念。我们国家的传统绘画艺术比较重视形与神皆要凸显,强调概括以及含义,这是我们国家的绘画艺术大家们所秉承的一种绘画理念。现如今的部分平面设计师们在设计招贴等方面作品过程当中一般都会选择“似与不似”的思想形式进行有效施展,使得平面设计外形方面给人的感觉愈加简洁明了。当前的大部分平面设计作品的外形一般皆超越了具体实际生活,此类平面设计方式在平面设计作品外形方面就是从繁琐至容易的一个过程,此类也特征也比较符合招贴广告的新需求。大家在欣赏一幅中国画的过程当中,大部分人都是主要进行欣赏画家所运用的艺术表现形式以及手法还有风格方面,而不是主要欣赏此一幅的相关内容。中国绘画艺术比如在水墨画艺术方面皆是体现出技法比较自然,不仅存在着生活气息,而且还包含着多变的艺术创作手法,这就是平面设计师们在创作平面设计作品过程当中非常不错的参考。平面设计大师靳埭强曾获奖无数,他的平面设计作品里面大家就可以清晰地体会到其已经把优秀传统文化与平面设计的思想有效结合,此点有效体现在他的大部分平面设计作品里面,应用我们国家的水墨画形式,注入了当前技术的独有肌理成效,现代同时又兼传统。把我们国家绘画艺术的每类技法运用在新时期平面设计作品里面,不仅能够使绘画艺术更好地服务于商业当中,还能够丰富商业平面设计的欣赏内涵,也能够使消费者有效的了解我国绘画艺术。新时期中国绘画元素在当前平面设计作品运用当中的理念还比较传统,创新意味不足,还要求平面设计师们有效地剖析以及延伸绘画元素在新时期平面设计作品里面的横向以及纵向运用,既应该体现在中国绘画语言、材料以及绘画技法方面,也应该在绘画的理念、形式方面获取参考还有发展。虽然平面设计作品无法充分进行展示个人的情感以及个性,但是平面设计师可以通过此类感性的设计理念进行打动消费者。
四、结束语
中国绘画艺术对于平面设计作品有着深远的影响,在多元化发展的今天,设计师们应该做到承前启后,这样大家的设计作品才更具艺术魅力与艺术价值。
【参考文献】
[1]尹定邦.设计学概论.长沙:湖南科学技术出版社,20xx.
[2]胡飞.中国传统设计思维方式探索[M].中国建筑工业出版社,20xx.
[3]赖兴才.试论中国画精神在平面设计中的化用[J].美术大观,20xx(3):90-91.
[4]黄金霞.浅论中国传统文化在平面设计中的传承[J].宿州学院学报,20xx,19(5):98.
[5]赵立霞.中国画元素在现代平面广告设计中的应用研究[D].天津:天津理工大学,20xx.
[6]佚名.艺术与视知觉:新编[M]//艺术与视知觉(新编).20xx.
[7]陈道义.中国印章艺术在平面设计中的应用[J].装饰,20xx(2):104-105.
摘要:新时代的到来,给了平面设计在创作手法,形式语言上提供了更多的可能性。但在这样一个设计多元化的时代,一味的追求西方的设计语言,不追根溯源,就会使平面设计流于形式,忽略信息传达的本质。本文从传统文化的最深处,和当代设计的最前沿两个方向出发研究,以对立统一的辩证方法阐述平面设计的内涵,并且提出新的展望和设想。
关键词:传统文化;现代形式;新媒介
引言:随着时代的发展,科技的进步,传统印刷正在面临一次次新挑战,平面设计师也遇到了前所未有的好时代。作为中国的设计师,要知道自己的根在哪,对于设计语境和设计场所有着敬畏的心境。思考如何做到将传统文化,内涵应用到我们的作品当中去,这说起来简单,做起来复杂。但是有两个关键点需要清晰的思考,一个传统文化的最深处,其次是当代设计的最前沿。
一、中国传统文化的最深处
作为中国的平面设计师,应该多看,着眼于世界。要多去追寻本国的传统文化内涵。从中国文化传统里汲取营养,并且融汇贯通,表达在自己的平面设计作品中。
(一)中国传统元素的使用
作为中国设计师,文化底蕴深深的植根于中国的传统,在中国设计大师靳埭强的作品中,你始终可以感受到中国传统文化情怀,其作品令人印象深刻,回味无穷。例如他创作的岁寒三友系列,通过传统文化中典型的“梅兰竹”三大中国人格作为表述对象,在设计手法上极具中国特色。使用了书法笔触,水墨画,传统器物的一个叠加,使得整个作品透着一种浓浓的中国味。靳老师曾经在《靳书说》中写到“中国设计师应该多去尝试,多看现代优秀的设计,但回过头来要进行转化,结合自己本身的中国传统文化内涵,进行提炼,概括,表述,所以设计师不能忘本,这点上日本做在了我们的前面”确实在日本设计师田中一光的日本戏剧演出海报作品中,我们既可以感受到日本传统浮世绘的形象,又能看到现代理性传统的设计语言,这种结合手法让读者过目不忘。
(二)中国传统意境美的把握
对于中国味道的把握绝不是把中国传统图形元素简单的拼贴,这样会使得设计作品平庸且留于表面。中国的传统美学不同于西方古典美学,其内涵更多是追去一种大气之美,在宗白华的美学研究中,他曾这样写到“中国美学更加注重意境美的表达,讲求虚,讲求藏,讲求留白给人的遐想。”所以在中国有犹抱琵琶半遮面的美学观,园林里利用借景,移步异景的手法营造的空间美学观,山水画中利用画面的留白,造险和出险制造的美学观。这些美学观也表现在王序,毕雪峰,韩家英等优秀的老一辈的平面设计师的作品中。在王序早期的作品里,一语堂的设计中,强调平面画面里中国空间意境的营造。通过抽象感知,将中国传统元素重新解构,以概括的方式表现出来。王序在自己的作品集中写到“中国不讲究物体的实际存在感,讲求抽象感知对于物体精神气质的表达,所以中国设计师的作品更注重于以虚造境的空灵”在他看来平面设计师对于传统的把握不应该将中国元素生搬硬套,而应更多结合作品自身所带有中国精神气息的表达,这也对中国平面设计师的修养提出了更高的要求。
二、世界当代设计的最前沿
亚洲设计师杉普康平在设计论提到平面设计师应该要多看,多想,看的多了,练的多了,自然可以眼到手到心到。所以设计师要多去了解,德国平面设计理性,注重功能和信息的准确创达;荷兰平面设计热闹,注重画面的内容丰富,语言多样;英国的平面设计注重现代感和创意性;美国的平面设计更为自由,界限模糊;日本平面设计更加概括,细致。每个国家最前沿的平面设计手法都值得我们借鉴和学习。
(一)当代设计语境的观察者
当代设计手法的新尝试。新时代的到来给我们带来了计算机革命,大数据时代,也让全世界的设计作品风格因为计算机的出现而产生了变化。参数化设计,蒙太奇手法,扁平化概括,这些日新月异的技术和前端设计观念的出现使得全球平面设计呈现出多样化,数码化的特点。典型的例子是荷兰以伊玛布为首的一批平面设计师的作品,气氛活跃,设计作品中充满了对计算机技术的探索。荷兰是个人口不多但生活幸福指数很高的国家,而生活的点点滴滴都被应用到了设计中去,例如荷兰设计师盖斯通过手工编织荷兰传统工艺蕾丝的效果设计的字体,非常的前沿,以至于后来成为了荷兰国家邮票的设计师。德国奥芬巴赫设计学院院长克劳斯海瑟,在自己的视觉工作坊中强调新设计语言的表达,并对当代设计的手法有一定的研究。对于图像处理的多样化,克劳斯海瑟要求形式再绚丽,也要追寻功能。例如其设计的作品传播学海报,用线条叠加的形式表现了扩音器,手等图形等,线条手法巧妙的表达了传播丝丝不断的联系感,又使画面不同于福田繁雄那个时代的作品,然观者感受到平面设计的新面貌。这些都要求平面设计师看到这些新语言不是一味的模仿,而是要思考背后的内涵,为什么要这么设计,解决了哪些问题,在表现语言和表现风格有无更好的尝试。只有多分析,才能使得我们作品带有生命力。
(二)当代设计环境的新载体
作为大多数平面设计师,还是把精力放在了传统印刷这个载体上,而今随着时代的发展,移动媒体的全球化覆盖,平面设计师应该把更多的精力转向数字端,移动端这个领域。获得中国最美的书,以传统明式家具为内容的书籍《坐观》,被中央美术学院柠檬岛交互设计实验室做成了移动端应用,这个叫明式家具的app。这个应用在全球范围类都大受好评,也获得了当年的红点设计大奖。设计师将设计的点放在了明式家具五件套,并将设计的核心榫卯用3d爆炸图的形式来表现。这样一种非线性的深度阅读形式,使得读者在阅读传统文化的同时多了交互性和趣味性。再例如将刘广超的胤十二美人,之前由陆智昌设计成为了读本,这次也是由柠檬岛交互设计实验室,做成了移动端的应用,该应用和故宫官方合作,设计上尊重十二美人画谱本身,花卷放大,鉴赏,3d旋转这些交互动作藏在读本本身的后面,使得整个作品雅致却不张扬。很多平面设计师由于技术的局限性,给自己关上了新媒体这扇门,熟不知作为平面设计师我们,首先需要解决的是视觉信息传递的问题,至于技术只是工具。
结语
《双城记》的开篇这样写道“这是最好的时代,这是最坏的时代,这是怀疑的时代,这是光明的季节。”在这样一个辩证时代,新技术,新观念的存在对于我们的平面设计既是机遇,也是挑战。这让我们不断的去追根溯源,反复追问自己,平面设计的本质是什么,中国传统设计的源头又是什么。在西方现代设计不断冲击中国平面设计师大脑的今天,我们不断的学习西方设计的形式,效果,追求视觉形式的醒目,刺激。可曾忘记了最重要,设计作为一门服务类学科,他有设计对象存在,他是解决设计问题的,不是一个艺术家的自说自话。所以在内容上,设计师应去挖掘中国传统设计的本质和精神内涵。我们在媒介的选在上,不要总是停留在传统印刷这个单一的选择里,应多在新媒体,移动交互领域有所尝试。对于平面设计师来说,主要的职责是准确,美观的传递信息,至于是印刷媒介还是新媒介,对于我们来说,只是一个工具。平面设计作为文化信息传播学科,是设计门类里最具展示性,艺术感知性的门类,这需要每一个平面设计师多阅读,多学习,不断增强自己的文化修养和精神内涵。(作者单位:南京艺术学院设计学院)
参考文献:
[2]《靳叔说》靳埭强,北京大学出版社
[3]《现代设计的先锋》刘小康,广西师范大学出版社
摘要:高职平面设计专业新的素描课程教学与评价体系需要突破传统素描教学的固有模式,通过多种形式的基础和思维训练,拓宽以往的临摹和写生教学套路,探索一条多样式的,综合性的,具有创新性的教学方式,加以配套的教学评价方式,让学生参加教学环节,激发学生全面发展,主动创新性探索学习。
关键词:高职平面设计专业;素描课程;课程评价
一、高职平面设计专业素描课程教学现状
高职设计类专业沿袭传统的固定教学模式,把素描作为主要的基础教学环节。课程的设置主要以结构素描和明暗素描两种形式呈现,即一种以徐悲鸿为代表强调通过光影来表现物体体积、质感、虚实等的解剖性教学体系;另一种以追求写生过程中的现实性和生动性结构表现。这些对于高职学生来说特别重要,特别是对于大多数没有素描基础的五年制高职学生来说更需要严格系统的打基础。时代的变迁,社会的发展,今天的素描教学被赋予更新的时代使命,培养目标的多元化,传统与现代的教学内容和形式并存,促使新的教学模式需要创新和发展,都为素描提出了新的探索需求。目前高职平面设计专业的素描课程评价方式存在着几个显著的问题:1)评价观念的落后。平面设计专业的素描课很多是由设计专业老师直接跟班带上,课程的命题和考核有一定的传统模式性,学生的表现方式要么被动要么太随性,目的性也不明确。在评定作业时,教师往往依据自身的经验和喜好打分,随性较大,缺乏科学理论的规范性和专业性的交流。2)评价方法单一。素描课程作为平面设计中的基础教学,门类多、课程时间有限,教师一般以学生的平时课堂课后作业和最后的期末考试成绩四六评分,打分的依据主要以作业的数量、对基本技法的掌握程度和画面的最终效果等,缺乏深入挖掘学生的创造性和平面设计的专业诉求,自然学生在其中的素描表现能力无法根本性提高。3)评价体系不够健全。素描课程一般以临摹和写生相结合,而评价的依据来自学生课堂的练习和期末的考核作业等,以四六或者三三六的比例得出最终学期分数。这个评价体系不够全面,准确,需要对学生的学习态度、兴趣、创造性、专业前沿性等综合客观的评定。
二、培养素描的视觉形式语言
1、自然之眼
所谓自然之眼,即在艺术形式上能够准确地再现客观自然形态的素描形式,也就是授课中常用的用全因素的明暗关系再现物体的结构和形态。而素描教学也应该考虑与其他学科的交融性,特别是高职学生一进校园就选好专业,目的性明确,所以在平时的基础素描教学中除了运用以往的技法传授方式,还需要思维的引导和传授。而评价的标准也应当如此,既要考虑到实物观察的方式也要培养学生练习的目的性,从而引导学生在练习中通过观察挖掘艺术表现力。具体的探索形式可以从两方面来体现:第一,侧重培养学生的观察方式,如画人眼睛,从整体运用几何石膏分析结构,再到细节小的体面转折描绘。第二,加强学生对于实物本质的探究,激发学生好奇心,产生质疑,而后主动性探究学习和探索,而非一味的深入研究技法表现。
2、艺术之眼
所谓艺术之眼,即在认识到自然秩序之上,用艺术形式记录认知的形式法则。这需要学生学习中西方的民族文化知识,掌握东方艺术用知性之眼来概括视觉对象。如中国山水画艺术形式的表达是对山水观念认知和感性认知相互渗透所形成的,即是此山又非此山的审美感悟。而西方艺术之眼则具有从古埃及的观念之眼到古希腊的理性之眼再到文艺复兴的视觉再现,再到印象主义的视觉实现以及现代艺术表象之眼的复合式发展历史。①教师通过带领学生看当代艺术作品和设计作品,开拓视野,激发学生对不同艺术形式的创新性想法,工具和创作手法都可以学习和再现。教学在此过程中担当质疑和答疑作用,质疑产生于学生训练过程中,通过主观寻求答案来感受艺术的不同表达形式,这是个开启思维的过程,教师要鼓励和积极引导学生寻找答案。新的思维方式和一些现代的艺术作品的引导,让学生产生疑问和思考,进而萌生灵感而创作,这是个有效地答疑过程,学生乐在其中,受益匪浅。
三、素描课程评价体系的建立
1、评价原则
首先要在遵循高职艺术设计专业人才培养计划,将传统的全因素明暗的素描表现形式与结构素描和线描等多种表现形式相结合。结构素描能帮助学生抓住物体内外结构,线描能以简练的形式概括出物体的表面结构,多种形式的结合为以后的平面设计课程打下衔接基础,在具体教学中更加切合学生的实际。其次新的素描评价体系是促进学生专业素质全面发展的评价体系,是推动教师授课水平不断提高的评价体系。②再者五年制高职艺术设计专业的学生很多入校前未有过规范的基础美术学习,且年龄在16岁左右,他们对于平面设计专业的学习有一定的新鲜感,但是缺乏耐力和挫折力,需要教师在教学中注重方式方法引导学习。
2、评价方法
定性与定量相结合原则,一是明确学生课题作业的完成形式及量化评定标准;二是重视学生在评定中的个性化表现,让学生在评定中学会合作;三是不仅重视学生完成课题作业的能力,而且重视完成课题作业的过程。而作为教研组应该组织老师对整个过程进行整体的了解,统一评价内容,规范授课计划和授课方式,综合进行打分。
3、举行教学成果展
这是美术类学院教学比较传统的学习交流方式,也是教学评价最有特色的环节,教师和学生都可以通过展览形式相互交流,相互学习,促进课程评价的教学改革。特别是一些“破而后立”的个性化设计素描作品,能激发学生的内心需求,冲破对于素描原本僵化模式的理解。综上所述,高职平面设计专业新的素描课程教学与评价体系需要突破传统素描教学的固有模式,通过多种形式的基础和思维训练,拓宽以往的临摹和写生教学套路,探索一条多样式的,综合性的,具有创新性的教学方式,加以配套的教学评价方式,让学生参加教学环节,激发学生全面发展,主动创新性探索学习。这一系列需要教师和学生都要不断的努力,共同提高自身的专业知识,跟上设计领域的新时代步伐。
参考文献
[1]郑春泉视觉形态基础—素描,江苏美术出版社,20xx.8
[2]范波素描课程教学模式及教学评价体系研究,教学论坛,20xx.5
随着我国文化的飞速发展,传统文化元素在现代平面设计中的应用具有十分重要的意义,尤其是中国传统文化符号的应用。在设计中融入中国传统文化符号是现代平面设计国际化的要求,还能进一步推进现代平面设计向更高层次发展。但是通过分析可知,如何在现代平面设计过程中进行中国传统文化符号的应用是现阶段所面临的一个重要问题,在此对其应用策略进行分析。
一、前言
随着我国改革开放的不断深入,市场经济飞速发展,市场机制逐渐过渡到精神生产领域,文化产业经济迅猛崛起,我国平面设计得到了长足发展。但是与西方国家相比,我国的平面设计行业仍处于落后的阶段。中国艺术院校培养人才时仍将西方艺术教育理念作为主要教学内容,没有形成自己特有的艺术设计理论系统,因此,大部分设计师在设计过程中深受西方审美标准的影响,很难进行更高层次的突破。中国五千年文明源远流长,中国传统文化符号是我国文化的主要表现形式之一,将其应用到现代平面设计中,不仅能带来一定的创新,形成具有我国民族特色的设计风格,还能推进中国现代平面设计行业进一步走向国际化水平,与世界设计领域接轨。因此,我们应重视中国传统文化符号的应用。
二、传统图腾符号的应用策略
众所周知,中国百姓十分喜欢积极向上的图腾,我国传统图腾符号具有很多种类,例如最常见的中国结、具有祈福意义的长命锁、凤凰以及龙等。每当过年的时候,我国人们还喜欢在门上贴上鱼的图象,这不仅仅预示着年年有鱼吃,同时,借助其谐音,也预示着家里年年有余。因此,在进行平面设计的过程中,我们就可以利用人们这一心理特点,将人们所喜欢的图腾运用到相应的产品设计及宣传中去,进而通过传统图腾的设计来达到产品推广的目的。通过分析发现,现阶段人们已经逐步认识到传统图腾符号的重要性,越来越多的设计师将相应的图腾运用到商业设计中去,设计出具有特殊韵味的艺术产品。例如,老凤祥金店就是采用了传统文化的凤凰的形象来向消费大众表达了吉祥如意、飞黄腾达的好寓意,通过这样的方法,不仅仅可以拉近商家与消费者之间的距离,同时又能够进行传统文化的继承,让人们充分体会到传统文化的魅力。
三、传统色彩元素符号的应用策略
色彩作为平面设计的一个重要因素,不同色彩的搭配会让消费者产生不一样的感受。黑色、白色、青色、黄色以及赤色是我国较为传统的色彩,同时也是能够代表我国民族的色彩,这五种颜色都具有其较为特殊的意义。在进行现代平面设计的过程中,我们可以根据人们的需求进行颜色的设计应用,例如,传统的黑色是一种十分庄重、沉稳的颜色,可以用于汽车、数码相机领域,从而突出这些行业稳重的形象,还可以应用于一些家居设计中,让整体设计更具有层次感;白色属于冷色系,在设计中可以使用这种颜色体现简约风格,还可以与其他暖色系进行搭配,给人视觉上的柔和感;传统的黄色一直代表着富贵、地位、威严等,可以利用这一象征进行财富、权贵等感觉的体现;红色是一种十分热烈的颜色,可以应用于需要引起注意的领域,例如防火警示等;青色在传统色彩中主要代表两种颜色,一是蓝色;二是绿色,绿色多有朴素环保的意思,可多用于环保方面的设计,而蓝色是纯洁的象征,可以进行企业形象的设计。
四、传统文字元素符号的应用策略
汉字是我国古代人们智慧的结晶,随着全球一体化的飞速发展,中国历史文化逐渐被世界所熟知,掀起了一股股学习汉语的热潮,汉字的地位愈发突显。在进行现代平面设计时,我们就可以将汉字这一传统符号应用到当中去。例如在北京奥运会上很多环节都向世人展示了中国汉字文化的源远流长,汉字构成的美是无法用语言所表达的。而中国的书法是汉字的一种书写形式,设计师可以利用书法进行文字符号元素的应用。比如当我们在进行酒方面的设计时,设计师可以利用酒的不同书法字体进行相应意义的表达,体现酒的香醇、豪迈等。在设计过程中,要突出汉字的创造不仅要从其书法本身进行设计,同时还要在遵循汉字装饰规律的基础上进行相关图形的转变。通过这样的方法,能够让更多的人们了解汉字演变方面的发展,并达到相应的宣传目的。
五、总结
综上所述,在设计中加入中国传统文化符号,不仅可以在一定程度上进行创新,不断提高现代平面设计的发展水平,促进现代平面设计的飞速发展,同时也让更多的人们了解我国的传统文化,进而不断增强我国文化的世界影响力。
一、色彩语言和计算机平面设计间的关系探究
计算机平面设计在社会生活中逐渐具有举足轻重的作用,为了提升其视觉体验效果,不断的发挥色彩语言在其中的重要作用自然无可厚非,因此色彩语言目前已经成为计算机平面设计中的主要角色。可以在应用层面把色彩语言与计算机平面设计两者之间的关系划分为以下两个方面。其一,色彩语言是计算机平面设计中的重要陪衬,例如色彩语言中的一些元素能够直接应用于视频、图像、文字等之中,从而使整个平面设计作品在色彩语言的衬托下展示了更好的视觉效果,达到了商品在审美与实用两个方面相互增值的效果,最终让产品能够被更多的消费者认可与理解;其二,计算机平面设计能够在过程中实现色彩语言的优化与完善。计算机平面设计的过程也是对色彩进行优化使用的过程,其能够让色彩变得更新颖,更高层次发挥色彩的吸引力与感染力,从而实现产品设计的外观与实用性相统一的作用。
二、色彩语言在平面设计中的应用探讨
以平面设计为基础的计算机平面设计被广泛的应用在企业的形象展示设计、产品包装设计、商业广告设计等各个方面。这种以文字、图像等形式作为传播载体的功能设计,能够很直接的传递一个理念以及与企业或产品有直接关系的信息和文化。曾经色彩被简单的当作文字或图形的附属品来使用,后来市场不断提高的竞争力,使得色彩语言成为平面设计方面的有利武器。接着色彩语言就成为了能够很好表现产品或企业个性的主要方式,并在不断的使用过程中占据了设计作品中的主要元素。
三、色彩语言在计算机平面设计中更深意义上的应用
3.1色彩语言在计算机平面设计中的情感应用
色彩作为平面设计作品中画面渲染的主要元素,本来不具备情感特征,只是一种物理的视觉表象,然而将它融入在我们的生活当中时就会引起我们的情感共鸣从而产生情感作用,进而实现平面设计效果上的升级,因此色彩语言能够为平面设计作品的情感表达加分。利用色彩在冷暖感觉上的作用搭配进行色彩选择,能够很好的把产品的实物特征展现给消费者。利用色彩的收缩与膨胀特征加以科学的调配与叠加,能够大大提升设计画面的视觉效果,另外还可以降低长时间的观察给人们带来的视觉疲劳的可能性。如果在设计画面中添加部分带有沉静感的色彩元素,就能够让人的心理变得比较愉悦进而让别人更好接受作品的设计目的,而且各种不同的情感都可以根据不同的色彩进行表达。
3.2色彩语言在计算机平面设计应用中加强效果探讨
通过上文中的相关论述和分析,知道了色彩语言在计算机平面设计中的重要位置,不但是更高层次的展示产品实用性与美观性的关键,而且能够实现消费者情感共鸣的效果,为了提升其在计算机平面实际上的适用范围,我们需要探讨其在计算机平面设计应用中的加强效果。根据不同色彩语言能够通过平面设计作品给人们带来不同视觉体验及情感表达效果的差异性作用,就能够更多掌握色彩语言的灵活性,实现更强的设计效果。为了更巧妙的挖掘出色彩语言在计算机平面设计中的作用,还可以从色彩语言的基础表达和它的含义特征着手,以此来不断提升其在产品设计理念和思路方面的能力,更加直接的给消费者展示商品的基本性能。首先能够通过对设计图最简单的色调调和与选择开始,进而体现商品的冷暖感觉,比较的直接的将商品的实际特征表达给消费者;其次,利用色彩的收缩效果和膨胀效果两个方面的搭配与变化应用于平面设计之中,实现设计画面视觉效果的整体提升,避免短时间内甚至长时间带来的视觉疲劳;再次,就是将沉静感的色彩当作重点,利用能够引起人们心里变化的色彩展示出不一样的表达效果,那么就可以将情感表达的复杂度和深刻度扩大,实现不同的设计体验。因此,色彩语言能够给计算机平面设计带来无限的视觉遐想。
四、总结
本文首先探讨了色彩语言与计算机平面设计两者间的关系,论述了色彩语言在计算机平面设计应用中的重要性,又通过视觉感觉得出了色彩语言能够为平面设计增加情感特征的结论,分析了色彩语言在计算机平面设计应用方面的策略,希望为计算机平面设计在产品设计的表达上呈现出其最初的价值,即实现产品销售的经济意义。
作者:温金辉 单位:港口理工学校
参考文献:
[1]陈芝羽.平面设计中色彩语言的符号解读[J].现代装饰(理论),20xx(12):17-18
[2]王可.计算机辅助色彩设计理论和方法研究[D].西北工业大学,20xx
摘要:留白是中国画中常见的一种构图形式,研究其在平面设计中的表现和正确把握,利用留白来突出设计的主题,激发人的想象力,进一步简化设计,不仅大大拓展了设计师的表现空间,而且观众也能在轻松、愉快的氛围下了解信息,这样才能使平面设计达到更加独特而震撼的艺术效果。
关键词:平面设计;留白;表现;把握
随着我国经济的迅速发展,人们的审美观念和对生活的要求在变,对平面设计的追求也越发苛刻,为了满足当代中国人的生活和商业的需要,越来越多的时尚而现代的平面设计作品在城市的每一个角落都留下了印记,要想在众多的设计作品中脱颖而出,必须采用独特的艺术构思以引起消费者的注意,虽然这些设计的风格多种多样,但还是可以从其中看到一些相似的设计手法,越来越多的作品更倾向于简洁明快的表达方式。平面设计师们积极从国内外艺术中吸收营养,发现设计中留白的运用可以使更丰富的意蕴和信息借助于相对简洁的方式传达给受众,从而获得更好的设计效果。
一、留白艺术的定义和历史
留白是中国画中常见的一种构图形式,是一种独特的视觉语言,它通过设计好的画面构图,用黑与白、实与虚、确定与未知的对比来引导观众去领略作者的情感和目的。中国画中的留白可以代表天、水、云、雾、雪等,虽然不着笔墨,只留纸面,但是观者能在画面中“实”的物象反衬下,通过自己主观意会获得对天、水、云、雾、雪等物象的体会和把握,从而达到以有限寓无限的画面效果。
南宋画家马远在其《寒江独钓图》上只是寥寥几笔来表示微波,微波之上是一个渔翁在船上垂钓,背景运用了大面积的留白,画面成功地表现了空旷渺漠、水天一色的广阔而富有诗意的意境,其空间空阔而深远。再如清代笪重光《画鉴》中说:“虚实相生,无画处皆成妙景。”其中的“无画处”就是我们现在所说的留白。
许多画家都能将留白巧妙地运用到自己的创作之中,留白的技法已成为中国极具传统影响力的一种特殊艺术审美心理,具有含蓄而又独特的审美境界,最终成为现代艺术的一种重要手段。我们将独特的留白艺术引入平面设计中,研究其在平面设计中的运用和正确的把握,就可以创作出效果更好的平面设计作品。
二、留白艺术在平面设计中的表现
(一)突出设计的主题
平面设计的主要目的是传达信息。设计内容若想在短时间内引起观众的注意,仅仅靠直接的表述会显得单调枯燥,密不透风的文字再加上太多的插图就会更显拥挤,给人以压抑的感觉,还会使观众产生视觉疲劳,任何一件平面设计作品都必须有一个吸引观众的视觉中心,而且只能有一个视觉中心,否则画面就会难分主次,真正想要传达的东西不能很好地突显出来。
美国学者斯金纳的视觉心理学测试结果显示:在一个白色的表面上放一个黑点,便可以使读者的视线向这个黑点移动并停留在那里。这个结果说明了留白可以烘托出要表达对象的重要性,有助于视觉向对象集中凝聚,它所创造出的空间能形成一种路径引领观众的视线,有助于观众很快找到阅读的线路和主题,还能给以清新、明快、透气的轻松感。所以,很多现代、前卫的平面设计师都十分青睐这种留白方式。
(二)激发人的想象力
按照格式塔心理学派的“完形压强”理论所说:当人们在观看一个有“缺陷”或“空白”的形状时,会情不自禁地产生一种紧张的“内驱力”,并促使大脑积极兴奋地活动,按照需要去填补和完善那些“缺陷”或“空白”,从而达到内心的平衡,得到满足。这种感受有点像力猜出一个谜语一样,潜力便得到充分发挥,会伴随一种创造性的知觉活动或创造性思维活动特有的紧张,这种适度的紧张以及解决问题后的松弛,是产生审美愉快的重要源泉。
所以我们要纠正以往的思维定式,不要认为这是在浪费空间,硬是要把画面挤的满满的才罢休,我们要知道正是这种留白才给了观众更多的思考空间,发挥观众的想象力,还可以让眼睛得以休息,也能衬托内文。
(三)进一步简化设计
据一份调查资料显示,读者看一张照片,一般情况下只会用2秒的时间。如果我们把整个设计的版式作为一张图片看待,要在2秒中内把想要表达的重点传达出来是需要设计师精心的思考和编排的,这当然也离不开设计的简约性。
在20世纪60-80年代的后现代主义时期,简约设计引领了一场“少则多”的设计风暴。无色就是有色,少就是多,简洁就是丰富,单纯就是饱满,从单纯中求丰富,简练中求明快。在平面设计中运用留白就可以达到简洁概括的目的,使得设计的主题尤显突出。
美国《财富》图片总监米切尔·麦克娜丽对于《财富》设计的封面为何可以抓住读者的视线是这样回答的:“我们在色彩的使用上是很谨慎的,一般多以黑、白、灰为主,对其他色彩的使用也有限制。我们多采用白色,也就是留白。”所以,不二定用得色彩越多就越好,在如今的平面设计中,应该尽可能的用较少的色彩去表现更完美的艺术效果,合理的运用留白艺术是很重要的,可以提高设计的品味,更能展现出作品独特的魅力。
参考文献:
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[2]陈振平,报纸设计新概念[M]、,福建人民出版社,20xx。
[内容摘要]平面设计元素的内容和形式是丰富多彩的,将平面设计诸多元素应用于中国传统文化之中,将具有重要的社会意义。本文以传统文化中的中国皮影戏为例,深入剖析平面设计元素在传统文化中的具体运用。
[关键词]民间艺术 皮影戏 平面设计 元素文化
一、中国皮影戏概述
1.陕西皮影戏书籍的市场状况
中国传统的民间艺术中主要包括剪纸艺术、皮影艺术、年画艺术、糖画艺术、黄杨木雕、瓷器制作、风筝制作、麦秆画、唐卡等内容,中国传统的民间艺术体现了中国广大的人民群众的一种对于生活艺术的深刻的智慧结晶。他们经过漫长的时光去精心细致地打磨,从而让在这些传统民间艺术方面的技艺不断精湛,让其视觉上的冲击力和艺术个性不断地增强和变化。皮影戏作为中国传统民间艺术中的一个重要组成部分,是集结了花鸟人物、色彩造型设计、故事情节以及音乐的表达于一体的一种艺术表现形式,其中以陕西皮影最为有名。皮影戏的表演唱腔形式与当地的百姓有着密切的关联,它是从生活中去表现演变出来的,在长期的历史发展过程中形成了十几种较为突出的腔调,如表现最为突出并且最早的有“老腔”以及后来的“时腔”等。也有陕北的碗碗腔和陕南的安康月调以及道情和八不景等形式,这些都是对于皮影戏发展有着深刻影响的腔调。皮影戏依靠着本身的艺术个性和表现的趣味性在历史长河中一直流传到今天,但是作为现今社会的非物质文化遗产中的传统民间艺术,也不能避免受到日新月异的艺术的表现形式的冲击,使皮影戏艺术处在一个不被人认同和被抛弃的境地,它的趣味性和艺术性受到人们的质疑,使其一蹶不振。对于皮影戏的传承和延续问题我们怎样去认识以及如何让它适应时代的潮流继续生存下去并让人们去认可它们?本文将以皮影戏的书籍装帧设计为例,阐述皮影戏的起源、发展、艺术特征、制作过程等,让它与毕业设计作品相结合,以书籍装帧为载体,结合传统的书籍形式结合现代的书籍表现形式让内涵更加丰富,从而达到文化推广宣传的作用。
2.中国皮影戏的历史背景和艺术特征
中国皮影戏作为一种适合老百姓的表现形式,自它形成以来,就在王臣将相、诸子百姓中流传。但是历史上对于皮影戏的记录非常少,只是通过民间的只言片语和少量的文献以及幸存的文物去勾勒出皮影戏的大致轮廓,让人备感遗憾。中国皮影戏艺术又称为“影子戏”“灯影戏”,它是一种人们通过皮制人偶去操作动作放在打有灯光的幕布上再配上合适的音乐和唱腔来表达剧情的一种戏曲表达形式。
3.中国皮影戏的现状与发展
因为受到封建文艺观念的影响,皮影戏这样的民间艺术被看作粗俗不堪的文化,是不让登在高堂之上的,也没有历史学家给它们留下一席之地,甚至连野史也对它不屑一顾。时间在不断流逝,社会在不断前进,人们的物质享受和精神需求的不断提高让现在的人们对于传统文化的需求不断减少,民间艺术的生存空间不断缩小,甚至很多精湛优秀的传统民间艺术已经到了遗失和失传、后继无人的地步。中国皮影戏是传统民间艺术的重要组成部分,保护好、继承好这个伟大的民间艺术,是尊重历史、珍惜先人的表现。对于皮影戏的现状我们应该深刻地反思,在科技发展的今天,我们要把皮影戏融入科技、审美、艺术、历史之中让其难登大雅之堂的低俗形象得到改变,让皮影戏在与时俱进的同时包含进历史的精髓里。让传统的皮影戏在具备新内容、新的模式的面容下去冲击这个科技信息飞速发展的今天,达到现如今社会的市场、文化、精神的需求,让皮影戏燃起光辉的火焰,让它在历史的长河里继续飘荡下去,流向远方。
二、中国皮影戏的.书籍装帧设计中的表现形式
1.中国皮影戏书籍在版式上的表现
皮影戏书籍在版式上的表现在于开本的设定、版心的定位、书眉和页码的位置以及版面的排版方向。整体版式色调采用米黄色,配上右边红褐色竖条皮影戏条幅字样,在版式设计上表现得更加新颖,打破以往以及现在书籍设计的普遍版式,让其更加具有吸引力,层次感更加突出。
2.中国皮影戏书籍在字体设计上的表现
在字体设计中,采用迷你简黄草字体居多,其整体随性,没有过多的规矩感,表现的是活跃性。表现了皮影戏是一种活跃的民间艺术以及表达在未来希望活跃在人们生活中的期望,不同字体的运用给人一种视觉上的冲击和表达。
3.中国皮影戏书籍的造型设计表现
皮影戏的书籍造型设计运用了卷轴设计、旋风装、古代的阅读方式,现代的简体文字打印,让其轴册包含不同时期的内容,沾染上时光的尘埃,体现不同时期的思想,传达了历史中的智慧。文字、图形的排版设计造成的冲击加上造型的再设计让书籍整体更具有层次、节奏、视觉、历史的特点,能够冲击在灯红酒绿的都市中的浮躁的心灵,让心灵重新镀上一层文化气息、大自然中的返璞归真和书卷气息,让人们在科技飞快发展的今天带上它们,让这个时代不脱离上个时代的智慧和精神,让读者在吸取文字教育时也吸收到时代的气息。卷轴书籍手工制作在这个科技时代发展的时代显得珍贵,中国皮影戏的文化历史底蕴使这本创意书籍历史和时代的结合更加有设计感和突出感。
三、中国皮影戏的书籍装帧设计
1.整体构思
属于中国非物质文化遗产的皮影戏是民间文化中一个古老而又优秀的存在,从有史可论的历史算起就有一千多年的历史了,其源远流长的文化在今天却要面临失传而被人们所遗忘在历史的尘埃里。笔者试图通过本次的毕业设计让新一代的人们对它有一个新的全面的认识,通过对皮影戏的书籍装帧设计,使其包含点、线、面以及历史、现代的元素,让其有一个全新的面容去迎接挑战,从而达到推广宣传皮影戏目的的同时重拾中国传统民间艺术和文化。整体构思大方向以古典包含现代并结合创新设计,书籍装帧采用卷轴、旋风装相结合去表现创新书籍,再加上灵活的排版和贴近主题的设计,以图文并茂以及场景再现的方式去尽情表现皮影戏深厚的文化底蕴和历史感,让人们多方面了解并调动心理情绪。整体色调把握在米黄的怀旧调里面,加入红褐、朱砂红、大红以及皮影本身多彩的颜色,让其表现出历史的怀旧感,感触人们的心灵。
2.书籍设计过程
(1)封面设计封面的设计采用图文并茂的设计,元素采用皮影戏人物,色调上采用米黄色以表现皮影戏以及中国传统民间艺术的历史感和陈旧感,朱砂红的注入让内容更加有意义,就像新鲜的血液的注入。云纹元素的注入也寄托出笔者设计这本书时对其发展的未来期望,表现了希望皮影戏在未来可以获得重生,可以不断融合新鲜血液让生命力更加强大,让传统民间文化得到传承,不断在历史长河中延续。(2)扉页设计对于扉页的设计是在图上加以变换,用皮影人物的外轮廓剪影和皮影人物的组合对视形成画面,表现人们和皮影之间的对视,也好像对于我们心灵的质问。在其中加入印章添加历史感和内容,背景调统一在米黄调里面,使怀旧中不失色彩的渲染,与主题内容相呼应衔接,也是继封面之后再次吸引读者和引发思考的内容。(3)目录设计目录的设计在色调上与主题内容保持一致,文字排版整体都设计成竖排版并且从右向左排列,一级标题的字体和颜色都和内容不一样,起到突出作用,目录的排版采用波浪式排版,显示皮影戏历史发展中的起伏感,到如今的即将没落和无人继承的现象。最后加上皮影戏人物动作造型添加趣味性,让画面中添加一丝活跃性。(4)内页设计内页的设计中内容与主题直接联系,其内页要求比较多,如文字与图形、文字内容的排版与图片之间的关系,注重排版的细节是决定内页设计好坏的重要一点。内页设计中内容的排版方式依照目录排版走势,由右向左的方式排版,让内页与前面内容形成连接整体统一设计方式,文字与图片之间围绕式排版,空出有限的留白让内页不显得拥挤有透气感。在右侧有皮影戏竖条图形放置,贯穿整体,并且在装轴时都以它们为中心留出来,用这一个设计点排版让整体形成连接达到统一。
四、宣传推广设计
1.书签设计
书籍装帧设计中不可或缺的辅助设计就是书签设计,书签设计在书籍中起到重要的作用,它是阅读者在阅读书籍时的好帮手,书签设计可以对于书籍的整体起到烘托作用,让书籍内容增加不一样的内容。书签设计要把握设计时整体,要小巧精致,不能抢了书籍的风头,记住它只是起衬托作用。本文以三套系列的书签为例。第一套书签设计,是加入了书籍特点的设计,把皮影戏竖版设计改为横版设计,放在书签的设计顶部,色彩调性也用了书籍的色彩,让它们融为一体,表现出书签和书籍之间的联系。其中重点是插入了皮影戏人物的图片,让画面更加突出皮影戏这个主题设计,首尾呼应。也可以让书签形成一个有趣的装饰品,比如人物的收集,可以装裱在画框凸显出不一样的韵味。第二套书签设计,它色调上有稍微修改,色调饱和度偏低而让其亮度偏高,尺寸大小整体设计上偏向普通书签,插入的皮影戏图片破除了单一的人物图片而加入了不同的素材,如:植物花卉、人物各异造型等,并且在书签上还加入了穗的装饰,让它在装饰上融入一些特点而不显得那么单调。第三套书签设计,在造型上改变,采用竖幅形式设计,并且加入云纹寄托了希望和期盼。在顶部设计上剪切制作时沿着纹样外轮廓制作,让它造型上显得活跃些。在内容上,笔者改变了插入皮影戏图片去让画面富有内容的方式,用对联对语的方式作为它的内容,让书签表现的内容站在另外的角度去评价概念书籍设计以及皮影戏本身对于每一份故事的演绎和表达方式。例如,皮影戏素材道具是用三根竹竿去舞动的,皮影戏的制作材质是皮(牛皮),以及皮影戏是人民群众生活的缩影和真实的写照等,皮影是中国传统民间文化中的一块瑰宝。
2.海报设计
海报设计是一种用最少的钱去设计出可用的内容以达到设计主题所体现的精髓,所以在设计中要用最少的和最简洁的文字语言去表达出主题所达到宣传海报的效果。在设计海报时,采用拆分拼组的方式让海报版式创新,抛弃以前几乎都用一张海报表达宣传效果的方式,把海报分为次、主、次的排列方式去表现皮影文化,且其中的文字通过与皮影图片相结合,通过精致轮廓裁剪,让文字内部设计出来皮影戏的元素,让“皮影”两个字与皮影戏文化相结合,而不仅仅只是文字表面含义。笔者在设计海报时力图让它更直观地表达毕业设计的皮影戏主题内容,而且在色调上保持和主题一致采用米黄色调,让海报与主题相互呼应,呈现整体统一的格调和视觉冲击感。
3.明信片设计
明信片的设计上和第二套书签格调一样,采用亮度高的米黄调从而呼应主题,与整体一致,在摄入元素里还是采用皮影戏人物等素材,直观表达皮影戏的这个主题。版式排版表现活跃度高一点,让它体现趣味性。
4.折页设计
折页设计在本次毕业设计中占有次要地位,折页设计中笔者采用古代帝王处理国家事务时所阅读的奏折的形式,但抛弃以往奏折的小形象并且折页次数少的设计。在新的设计中,把折页的大小尺度变大,使它在合起来时如同一本书一样,这也是主题概念书籍之下的一个重要设计。在材质上选用特种牛皮纸制作内页,一张一张进行连接使它折页次数增多,选用特种牛皮纸为的是让它的内页禁得起反复折拉和内页厚度的要求,封面采用厚纸板附上牛皮纸制作,在内页内容上采用皮影戏素材实物设计加上设计背景使它们依次粘在折页里,在展示时可拉出两米多的长幅和摆放不同造型的方式,而收起来就仅仅只有正常一本近两厘米厚度的书籍样式,最后用深色绒的绳子系上。不管是页造型设计还是内页设计都保持与整体统一。
5.宣传册设计
宣传册设计主要表现相互之间的联系性和突出性。色调上用米黄调表现相互之间的统一性,在内部图形元素上一律选用书籍里所拥有的元素和海报所使用的元素,让宣传册不脱离整体而独立存在,让它也起到一个宣传作用,起到衔接海报和书籍的作用。其中在文字排版上采用与书籍一样的从右向左竖排版,版心位置保持在宣传册的中部规定位置,并且文字排版为显得活跃性和趣味性,用文字排版替换掉图形元素的下部图形,让图形元素与文字相结合,以体现不一样的设计感,增加整体视觉效果。
6.印章设计
在最后设计印章为的是点缀作品,让作品有一个出处。整体设计采用的是古典风格,色彩上采用不同程度上的米黄和朱砂红、红褐色,印章设计让内容里增加色彩、点缀和历史感,印章本身就是古代文人志士所常用的点缀和冠名之物,也是身份证明的一个象征。在此使用也是表达此设计是笔者的设计,是笔者希望表达的意愿之处,希望如印章历史般长久传递下去。综上所述,构成平面设计形式的要素很多,如何将平面设计要素恰如其分地应用到特定的传统文化之中,是一个较为重要的课题。本文分几大模块,通过不同的角度分析了将平面设计要素应用于传统文化之中,在一定程度上对特定的传统文化的推广和传承方面起到了促进作用。
一、前言
吉祥物代表的现代企业的发展,是一个象征性的发展,近年来,随着世界经济的发展,国际大型吉祥物不仅在国民经济中起着重要作用,其直观、具体、生动、风趣、夸张、幽默等的特点,使企业的经营理念和个性表达密切的亲和力,提高消费者的购买意识,吉祥物的价值或需求还可以应用在平面设计中。
二、吉祥物介绍
原始文化是吉祥物的产品,但近年来,吉祥物设计,总是遵循传统方法,传统设计的出发点是吉祥物的设计缺乏新意,不能与时代精神相似的,所以没有共鸣,可以加入现代平面设计。吉祥物是现代广告设计中的工具,也就是说,起到一个象征性的帮助宣传的作用,又称卡通代言人,是原始文化的产物,是原始人类在同大自然中形成的人与自然最初方式,为了生存,必须为中心发展过程中自然形成的趋势,一般来说,最著名的吉祥物是迪斯尼米老鼠的形象,吉祥物大约60年前出现,然而,并不是所有的虚构人物都可以设计成吉祥物的形象,只有在平面设计中运用吉祥物的关系,才能更好的进行平面设计,吉祥物受到卡通化的限制,但也有许多吉祥物是来自真实的动物或东西,如著名的美国篮球队公牛队的吉祥物不是卡通人物,目前最古老的奥运吉祥物是1972年的慕尼黑奥运会的黑色猎犬。
三、吉祥物设计的优点
可以看到,现代风格体现因为在艺术创作的过程中,人更容易与拟人化的图像产生亲切感,图像的一些基本特征具有人类精神和情感的亲密感和轻松感,得到公共群体的认可,但也正是这种“优势”,许多艺术家摆脱它的吸引力,因为现代吉祥物都具有一个统一的模式,甚至将显示图像的人的手和脚的比例不变,在新的时代背景下,随着时间的推移,吉祥物设计更加展示了其独特的魅力,一般的艺术技巧需要有优秀的想象力,艺术技巧结合“创意”更能促进平面设计的发展,在2000年悉尼残奥会吉祥物是一个蜥蜴,是一个不寻常的设计,其独特的造型,夸张,充满了力量和信念,非常富有表现力,完全从人们以往感受到的吉祥物外观和感觉不同,在澳大利亚和世界各地传递悉尼残奥会观众的思想“成就、力量和自豪”,吉祥物形成独特的设计的一个重要特征是吉祥物展示出来的魅力,他有独特的形状特征和强烈的内心冲击,富于艺术魅力的吉祥物设计是社会发展的必要,在不断将现代审美观念和文化观念中出现,从而焕发出更美丽的外观和时代精神,以其独特的视觉语言传达人的福音,在今天的高科技设计产业的发展中与平面设计相结合,更加突出其价值。这些吉祥物不仅带来了新的和有趣的艺术享受,让人们认识到科学技术的审美特征,在科学界,人们一直在探索艺术,科学和艺术巧妙的相结合,平面设计还可以设计吉祥物本身以外的运动,包括材料、服装的款式和颜色也对吉祥物造型有合理的设计,人的感知是相对应的,在现代吉祥物设计中,应该从传统的观念和创新能力,在幻想中寻找触摸设计,我们也可以从中国传统民间玩具,吉祥物,泥人,塑料,石材,木材,以许多有益的启示,了解一些国内外服装、文化、民俗、传统与现代的新材料,加强对色彩的把握,提高现代美学对吉祥物艺术创作的积极作用。
四、企业吉祥物的应用与独特设计
吉祥物对企业的作用是吸引眼球,传递信息,能起到更好的宣传作用,更多的群众对吉祥物有亲密的特征,留下多深的印象,生动有趣的吉祥物更容易向群众展示平面设计,这样可以取得更好的效果。吉祥物的魅力的一个重要来源,无疑是关注度比较大,人们通常感兴趣,吉祥物的设计应该是创新的时代,每一个时间都加入不同的流行元素,设计风格不同的吉祥物,创造丰富,感染的形式可以更好地代表人民,但是我们也应该注意到,建立在理解的基础上才能发挥作用,不了解的人很难引起人们的注意。
五、吉祥物的发展与平面设计的关系
吉祥物从历史发展的角度看,在封建社会中存在原始图腾吉祥物,代表了道德地位的象征和表达,直到工业革命以来吉祥物的设计显示了一个新的外观,随着社会的发展和技术的进步,吉祥物的范围和方式的普及和应用不断扩大,对设计的要求也有所改善,以满足设计和内容的要求,吉祥物设计的主要特点是:需要通过图像主题的内涵,即精神,文化或政治的重要性,然后用可见的形式语言,表达抽象的概念来解释抽象的象形文字,也可以用状态显示抽象概念隐喻,隐喻的方式,采用平面设计的方法,设计发展趋势在紧凑型和个性化的特点下感觉强大和丰富的内涵。例如,福娃是北京2008年奥运会的吉祥物,其色彩与灵感,这巨大的奥运五环,包含了土地,河流,湖泊和海洋,爱人民,爱动物,五个可爱的亲密小儿童,以鱼、大熊猫、藏羚羊、燕子,奥运圣火为原型和头饰蕴含着海洋,森林,火,大地和天空的形象设计,创造性地应用了中国传统艺术的优秀传统文化,这四个吉祥物,吉祥物设计方案的完善不仅是一座文化产品,它本身具有巨大的价值是完美的匹配,吉祥物设计在产品创新中合理延伸,吉祥物是完整的平面设计和开发的发展趋势,现代吉祥物,吉祥物有适当的设计,包括平面印刷品,海报,图书和玩具(娃娃),珠宝,服装和广告服装品牌服装的设计,但在具体规划中不能复制,不是机械的吉祥物复制,在平面设计中,对象的企业,文化,工业,自然,这样的区域特征与观众是有针对性的,因为新的发展支持,最大限度地促进其商业价值。首先要了解什么是吉祥物都能实现,一般来说,吉祥物有以下四个标准:形象生动,具有新的和独特的造型,鲜艳的色彩和吉祥物的品牌还需要添加一个主题,那就是能够充分与其他平面设计不同,但是可以协调以形成一个有机的图像,这些标准是建立在每个吉祥物的平面设计的前提和基础上的,其次,按照科学的设计理念,毫无疑问,吉祥物的品牌图腾,是体现其象征意义的,对品牌的理解第一步,是一个设计思想,它的目的也是通过许多技术,超群,得到视觉独特、生动的品牌,最终得到一个吉祥物包括品牌形象,因为品牌吉祥物不仅是一种艺术,也是一种平面设计的方式,这是一个商业产品用于商业用途,所以请设计师理解品牌的重要性很重要,在品牌个性的设计中,品牌本质使吉祥物原型得到保留,选择具有两个原则:一是品牌个性;二是爱和善意的可爱形象,例如,北京奥运会吉祥物的选择,没有选择龙的形象,因为西方龙是具有邪恶的力量的,因此,为了在一般的图像上识别:选择鱼、大熊猫、藏羚羊、燕子和圣火作为吉祥物,作为品牌的标志,是最好的的选择。最难的工作,当然是设计师的水平问题,一般可根据选定的原型,在原型思考如何不同于其他,包括名称、形态、动作、面部表情、服饰和道具等的概念,如果向深的创造精神方向去寻找的话,恐怕是独一无二的杰作,一旦你打开创造性思维,那么平面设计就会简单很多,平面设计品牌吉祥物的颜色必须协调,强化品牌特殊的需要,最好是一个颜色,一般来说,颜色可以应用2个或者3个,避免三个或更多的颜色,重视小面积的装饰和色彩设计的关系,理论上的吉祥物每种颜色的分配是关键。
六、结语
总之,在中国今天的现代设计中传统与现代文化、东方文化与西方文化、艺术和手工艺和高科技信息技术的强烈碰撞和融合的发展阶段,现代吉祥物的发展促进了平面设计的发展,其关系有相辅相成的趋势,面对这一事实,我们不能设计一个模型或框架来定义吉祥物的设计,它是个性化和创造性的产物,加强正确的分析,建立的基本原则、特征方向和设计思路。
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对于平面设计来说,视错觉的应用是非常广泛的,本文通过对视错觉的基本定义出发,对其形成的因素以及发展规律进行探析,并重点研究在平面设计当中对几何视错觉和色彩视错觉的运用,从而表明视错觉为平面设计作品所带来的非常丰富的视觉效果,进而阐述视错觉在平面设计当中所具有的强大生命力,只有在平面设计当中对视错觉进行合理的运用,我们才能够运用她获得标新立异的艺术设计思维。
1.视错觉的基本定义
现今为止,国内外学术界对视错觉的定义并没有一个详细的概括,很多研究者都依据自己所知晓的角度进行研究,从而为视错觉构造出不同的定义,而在这当中,较为全满的定义主要分为以下几点:
(1)错觉心理学的相关定义则是指:“对客观事物不正确的知觉”,“错视”则是指“对客观事物不正确的视知觉”。
(2)由于自然环境因素的不同,光度、形体以及色彩对其形成不同的干扰,加上生理上产生的不同原因,人对于物体所产生的知觉往往形成一种错误的感觉,即:错觉,人们通常将物体的形状、色彩有关的错觉称之为视错觉。(3)“视错觉”是指在特定的情况的刺激之下,形成的一种与事物表现出来的真是物理情况不相符的知觉效应,这种歪曲的知觉偏差和倾向,从人们的主观努力上很难对其进行纠正,随着条件的确定和成立,这种歪曲的知觉便会经常性的产生。由此我们可以看出,所谓的“视错觉”就是人们的一种错误的“视知觉”,其产生的条件则是通过外界的刺激、生理因素以及心理因素,使人们在主观上昌盛一种心理偏差,并很难去进行客服的一种直觉偏差。如归要更好的对视错觉进行研究的话,接下来就要对其产生的因素进行更进一步的研究,这样才能够更好的掌握其发展的规律,对其进行合理的运用。
2.视错觉形成的因素
贡布里希曾经说过:“观看从一开始就有了一定的选择,研究对事物所反映出来的现象,与生理和心理等许多因素都有关系。”错觉的产生同样如此。
(1)视错觉形成的外部因素首先,对于每个人的本身都存在着不同的差异性,这种差异性表现在对这一整体提供出多种不同层次的含义,这种不同的含义为观察者所观察的事物映射出了不同的错觉。当其中的一种直觉兴城市,则另外其他的知觉线索则被无意间的忽视,从而进行相互的转换,导致原油的知觉线索被隐藏起来,使得之前的知觉线索占据了统治地位。其次,图形的复杂情况则会对人产生不同程度的炫目效果,稍微复杂的图形穿插就会使人的眼睛在欣慰的运动和重复中产生不同的视错觉,很难对图形的基本构造、倾向及调理进行准确的把握,于是出现一种游离不定的闪烁感,长时间就会使人产生晕眩的效果。再次,在强烈的刺激之下所产生的色彩视错觉。在视觉反应过程当中,认得肉眼在强烈刺激之下难免会留下不同的“痕迹”,这种刺激过后所留下的痕迹则被称之为“后象”。它的形成则是由于人类神经系统在兴奋之后所留下的痕迹作用。这种现象通常表现为“互补色之间的对比刺激,视觉主动寻求的缓冲色调和调和等等。”强烈的刺激是这种倾向性错觉产生的必要前提。
(2)视错觉产生的内部因素视错觉所产生的因素则主要分为两个部分,一种是生理因素,一种是生理因素。生理因素从生理的角度来说,视错觉则通常可以理解为由人的眼睛对事物所起到的反射效果,通过大脑和视觉神经的作用从而引起的。视觉上的长短、大小以及高递等不同的错觉感受都是由于人类生理方面的功能和需求。观察事物只要表现在两个阶段:首先光通过照射到物体上进行反射从而发射到人的眼睛,形成“成像”;其次视神经在将其传入人的大脑,随后进行判断和解读。心理因素许多的错觉通常是从人类的心理原因所产生的,当人们对物体进行观察的时候,一方面是用自己的眼睛去观察,另一方面则是用自己的脑子去判断,有时候自己的眼睛还没有真正看清楚的时候,自己的大脑就提前做出了一定的判断,而这种判断则往往是不正确的,这种错误的判断则会使人走上迷途,从而产生了一些错觉,这种错觉的产生则主要是心理因素造成的。
3.几何视错觉和色彩错觉在平面中的运用
(1)几何错觉的运用所谓的几何错觉,在这里我们又主要分为:①面积错觉;②线段长短错觉;③分割错觉;④形体扭曲错觉。所谓的面积错觉则是由于引力、明度以及位置方向等因素所造成的,根据以往的经验来说,同等面积的物体明度越高则显得体积越大,因此在平面设计当中如果想要是物体体积显示较大则应运用明亮的颜色,泛指则运用深暗色进行表现;线段长短视觉则是由于眼睛运动则使得相同长度的垂直线段比水平线段要长;分割错觉则是由于同一几何形状或尺寸的物体,因其采用分割方法的不同,所给人感觉形状和尺寸发生了变化;而行太扭曲则主要由交叉、角度等因素所产生的。
(2)色彩错觉的运用色彩错觉则主要是由于色彩的对比以及色彩的空间进行混合而产生的,因色彩之间的对比,从而产生视错觉,不同性质的色彩对视觉的准确性同样产生不同的影响。色彩的色调、明度和饱和度之间的对比同样会产生视错觉,同一色彩放在不同的环境当中,则会让人感觉到不同的效果,因此在平面设计当中同样要注重对色块大小以及色彩明度、饱和度等加以重视。结论本文通过深入的研究,更好的阐述了视错觉在平面当中的地位也形成原因,为以后设计者创造出更好的设计作品奠定了良好的理论基础。
摘要:中国民间美术是我国传统文化之一,凝聚了民间艺人的智慧精华,至今闪烁着璀璨光芒。事实证明,中国民间美术对现代平面设计有着很大的启发。本文尝试研究中国民间美术对现代平面设计的可借鉴性,意在起到抛砖引玉之用。
关键词:中国民间美术;现代平面设计;借鉴作用
一、前言
进入新世纪之后,社会多元文化不断兴起,现代平面设计面临的竞争越来越激烈,如何创新平面设计,对业内人士提出了严峻的挑战。中国民间美术是我国传统文化之一,凝聚了民间艺人的智慧精华,至今闪烁着璀璨光芒。事实证明,中国民间美术对现代平面设计有着很大的启发。本文尝试研究中国民间美术对现代平面设计的可借鉴性,意在起到抛砖引玉之用。
二、中国民间美术概述
中国民间美术有着独特的魅力,体现在以下几点:
1、丰富的造型方式
中国民间美术造型没有受到物象透视比例和结构的制约,呈现出一种独特的节奏美。比如中国民间美术中的平面剪影造型,以影像造型方式呈现物象的情态特点,给人带来强烈的视觉冲击力。其中,剪纸和皮影是平面剪影造型的典型代表,具有一种淳朴自然的形式美感,是艺术之林中的一朵灿烂奇葩。
2、多元的象征图形
中国民间美术传承了原始美术中的象征符号,比如妇女的剪纸和刺绣,基本是服从吉祥如意的愿景。以“卍”这个象征性符号为例,它是原始图腾——太阳崇拜的符号,“卍”代表着光明与希望,应用于民间美术中,表达了人们追求光明的心愿。另外,还有诸如梅兰竹菊等图形都隐喻着人们的心愿,如此多元化的象征图形,使得我国民间美术极具中国味道。
3、绚丽的色彩
中国民间美术的色彩应用独具魅力,与民间文化观念息息相关。我国祖先对自然界进行描绘,得到了“青赤黄白黑”这五种色相,并认为这五种基本色相与人类的生产生活有着密不可分的关系。随着阴阳五行说的诞生,五色被视为是维持生活秩序的重要成分。民间美术也开始使用这基本五色作为基本色调,并在此基础上突出某一色的主旋律,比如产生了“红靠黄、亮晃晃”、“红红绿绿、图个吉利”等口诀。
三、中国民间美术对现代平面设计的可借鉴性
由于社会多元文化层出不穷,现代平面设计承受着越来越大的压力,只有不断创新,才能在设计领域保持长久的魅力。中国民间美术可以为现代平面设计提供很大的借鉴,具体体现在以下几点:
1、造型借鉴
中国民间美术有很独特的造型,可以给现代平面设计带来无尽的启发。比如我国陇东地区一家知名制药企业就是从中国民间美术的造型中汲取了灵感,设计了一款药品广告招贴。这家制药企业意识到民间美术作品中有“祛病消灾,护佑健康”的理念,这与医药产品“治病疗伤、恢复健康”的理念是如出一辙的。所以在药品广告招贴设计中,这家制药企业设计了“艾虎”的形象。“艾虎”的造型近似虎的形象,民间常为孩子制作虎头帽、虎头鞋等作品,作为保佑孩子健康长大的保护神。在造型设计上,这家制药企业借助“艾虎”的民间形象,将其与宣传主题巧妙融合,一方面触动了人们内心的情感回归,唤醒他们注重健康的理念,另一方面,经过艺术处理后的造型设计更是能给产品本身带来很好的视觉传达效果。该制药企业一推出“艾虎”广告设计作品,立刻受到受众的欢迎。这足见民间美术的造型可以为平面设计提供参考。
2、图形借鉴
民间美术中的很多图形具有象征意义,可以激发人们的想象力。这给现代平面设计也提供了很大借鉴。比如我国市场上有一款名为《理想与现实的矛盾》的公益平面设计作品。这款作品旨在传达“保护环境、人人有责”的宗旨。该作品分为上下两部分,上部分是一个茂盛的“生命树”,“生命树”在民间美术作品中象征着万物之灵,折射出人们对生命的深刻思考。该作品的上半部引入了民间美术作品中的“生命树”,体现出一种欣欣向荣的气氛。但是在该作品的下半部分,主体形象是一颗孤零零的树桩,传达出一种萧瑟的氛围。设计者通过“繁荣”与“死寂”的强烈对比,反映出理想与现实之间的巨大反差,引人思考,进而突出“珍爱生命、保护自然”的主题。
3、色彩借鉴
民间美术作品对色彩应用十分讲究,从一开始的单色应用发展到后来的五色崇拜,再衍生出其他色彩,使民间美术作品呈现出强烈的视觉效果。民间美术作品中的色彩可以对现代平面设计起到很大的启发作用。比如我国有一款名为《端午节》的传统主题海报,设计者以蓝色为主色调,主图形使用的黄色,其他的配色选择的是绿紫白兰,设计者还将这些色彩予以合理的搭配,使得整个作品不仅有鲜艳的视觉效果,也传达出传统文化内涵,使人们嗅到浓郁的端午气息。总之,中国民间美术对现代平面设计有很大的借鉴意义,值得现代平面设计师大力开发,推陈出新,为受众提供优质的作品。
参考文献
[1]王若鸿.《浅谈民间美术对现代平面设计的启示意义》[J].《美术大观》,20xx(7).
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[5]贺萍.《中国民间美术造型语言对现代平面设计的启示》[J].郑州轻工业学院学报(社会科学版),20xx,11(2).
错视艺术即不是一种新的艺术形式,也不是一个新的设计手法,只是平面设计中所使用的基本设计手法。然而,就是这种基础的设计手法,可以设计出许多有趣的标志和平面广告,其中有很多是脑洞大开的作品,让我们驻足观看,回味无穷。在生活中错视艺术有着很广泛的应用,在平面设计、室内设计、服装设计等设计领域,无不利用错视的原理使我们的平面设计更具新意,使我们的穿着更得体,使我们的居住环境更舒适。
一、错视艺术的概述
何为错视艺术?
错视是由于我们眼睛的判断机制对观察到的物体,在主观上的认知与形态本身存在着明显差异的心理和生理上的错视现象。错视的产生有由众多因素引起得。
二、错视艺术产生的影响因素
1、环境因素引起的错视艺术
任何物体的存在都不可能完全脱离周围的环境而独立存在。物体与它周围的环境都是相互依存,相互对比,互为参照物。我们将指定的物体以其他物体为参照对象,就会因背景发生变化或背景的改变,而产生不同的错视现象。
1)位置引起的错视。例如用两条平行的直线将一个圆垂直分割,我们会得到两个半圆。左边的半圆和右边的半圆凭借我们眼睛的直接观察,似乎感觉它们是无法闭合成同一个圆。
这种错视现象的产生是因为,我们通常会把要比较对象以外的东西作为背景环境,这些背景环境会影响我们对线和形状的直接感知。而当我们看这些要比较的对象时,其实已经以错误的对象为背景参照了。如果我们离开这些错误的背景参照,视觉系统也就随之恢复正常。
2)视觉恒常性引起的错视。如《追逐的人》这幅错视图片,其中我们看到一个巨人在追赶一个矮人,其实这两个人的大小是完全一样的。这种现象就是由于视觉的恒常性引起的。而这种错视现象,美国斯坦福大学心理学教授Roger Shepard 认为,这种错视现象的产生是由于三维图像会引起人的深度知觉。由于环境透视的原因,从而使我们感到后面的人要比前面的人离我们远。
人类的视觉系统会根据从视觉环境中得出的定势而做出推测。一般情况下,我们会认为一个物体离我们越远就会变的越小,离我们越近就会变的越大,换句话说就是我们所说的“近大远小”。而当我们把背景删除,图像的立体感就会消失,随之这种错视也就会消失。
3)图底反转引起的错视。正如《鲁宾杯》这幅作品,当我们在观察图片时,既能看到两张人脸,同时又能看见一个酒杯。而这种现象就是由于图底反转而引起的错视。最先发现这种图底反转可以产生错视现象的是丹麦心理学家鲁宾(n)。因此这个图像也被称为《鲁宾杯》。
任何图形都是由“图”与“底”两个部分组成。在一幅画面中,成为视觉对象的被称为“图”,其周围的空虚处称为“底”。 “图”是在画面上所看到向前突出的形象,而“底”是退后的背景。
2、透视因素引起的错视艺术
透视因素不仅在美术中是一个很重要的研究领域,同时在生活中透视因素也与我们的息息相关。每当我们观察景象时,由于自身所处位置和距离的不同,随之物体的形态也会随之发生变化,会产生“近大远小”的现象,这就是透视现象。一副绘画作品中,各组成部分的大小、位置等因素的透视关系完全正确时,所绘制出来的作品才是符合正常的作品。反之,就会引起错视现象的产生。
1)透视引起的错视。如莫里茨·柯内里斯·埃舍尔(Maurits Cornelis Escher)设计的《骑自行车的男孩》,画面中的孩子到底在哪骑自行车呢,如果以画面中的远景来看似乎是在路上,可是将视觉转移到近景来看却又变成了在树上骑自行车。
这种错视现象的产生是因为,按照正常的透视方法来说,一副画面中只能有一个消失点。画面中的条路只能有一条是渐渐远去,最后直至消失的消失点。而这幅画中并没有按照正常的透视方法来进行绘画,而是使用了两个消失点,由两条路组成,同时将它们之间重叠的部分省略,然后让它们又很自然的衔接在一起,从而产生了错视现象。
2)矛盾空间引起的错视。正如瑞典艺术家奥斯卡·路特斯瓦尔德创作的《不可能的三角形》。造成这种错视现象的原因并不是图像本身,而是当我们看到这个三角形时,会主观认为这个三角形是立体的。我们主观臆断的将这个平面的二维图像理解成了立体的三维图像。从而就产生了一个现实生活中并不存在,但确实能在二维平面中绘制出来的三角形。
三、错视艺术在平面设计中的应用
1、错视艺术在标志设计中的应用
标志,作为一种大众传播符号,它以精炼的视觉形象起到一定的辨识作用,同时又以图形记号的形式表明对象的特征。标志设计有着很多的设计方式,其中运用错视的手法就是其中之一。因为错视艺术的奇特性,从而设计出来的标志往往具有新颖和耳目一新的感觉,能给人们留下深刻的印象。
例如,南斯拉夫DIDINDA 铸造集团的标志,就是运用矛盾空间引起的错视艺术而进行的标志设计。
2、错视艺术在平面广告设计中的应用
平面广告在我们的生活中无处不在,而同时平面广告所涉及的领域也非常的广泛如海报设计、书籍设计、企业画册等诸多领域。将错视设计的手法合理正确的运用于平面广告设计,不仅可以有助于传达想要传达的内容,同时还能产生较高的艺术性和思想性。
如电影海报 《皮特和狼》,其中运用狼的身体外轮廓组成皮特的头像的外轮廓,这种设计手法就是运用图底反转引起的错视而进行的平面广告设计。
四、结论
当今的平面设计已经进入了与世界接轨的时代,无论是在设计标志还是在设计平面广告时,都应该在原有设计手法的基础上,尝试一些新的设计手法,错视设计就是一个值得我们运用的设计手法。创作出既可以准确传达信息,又有强烈视觉冲击力和艺术感染力的设计作品。
【摘要】中职计算机专业学生成为广告设计师的可能性决定了《平面设计》课程在其学习生涯中的重要性,如何通过该课程的学习设计出有创意的作品呢?培养学生的想象力和创意表现即有了其重要性。本文主要通过让学生了解想象力在平面设计中作用、如何设计引起观者共鸣的作品、培养学生观察作品的能力、鼓励学生在平面设计中联想加工等四个方面,最终培养学生在平面设计中的想象力。
【关键词】平面设计;想象力;创意表现
伴随着社会经济的发展,富有创意的平面设计总能吸引住大家的目光,直接导致了产品的销售问题。中职计算机专业学生有一部分在毕业后走上的工作岗位即为广告公司,平面设计则成为他们在校学习的一门重中之重的课。如何设计出富有想象力的有创意的平面设计作品也将成为他们将来的谋生技能。若想设计出有创意的作品,首先必须要自己有想象力,然后才可进行设计,故培养学生的想象力和创意表现也是迫在眉睫的。中职学生正处于青少年黄金时期,这一时期是人的想象力表现很活跃的时期,无论是创造性想象,还是再生想象,对于培养学生思维都是非常重要的。这一时期学生具有旺盛的精力、广泛的兴趣、强烈的好奇心和丰富的想象力,如此优势注定让我们要重视对学生进行敢于想象、敢于创新、敢于打破常规的训练。那如何为学生插上想象的翅膀呢?作为一名从教十多年的计算机专业教师,笔者主要通过在中职计算机专业《平面设计》课程中对学生的想象力和创意表现的培养,进行以下论述:
一、了解想象力在平面设计中的作用
想象力是人脑中已经存在形象的基础上再经过自我大脑创造而制作出新形象的能力,这种能力是人所特有的,被人的大脑所反映的。一个好的设计作品必定是离不开想象力的,而一个缺乏想象力的作品也是肯定无法打动人心的。所以,在平面设计中运用想象力是非常重要的。“一千个读者就有一千个哈姆雷特”,每个人的想象力不同,想象中的映像也不一样,对平面设计作品的欣赏结果、感受肯定也是各不相一。作为一名平面设计师,必须要学会如何把想象力运用到平面设计中去,让想象力在平面设计中表现出更高的艺术价值。平面设计仅仅是设计中的一种,但却是最面向普通人的一种艺术,是一种大众艺术。所以就要求设计者设计的作品能够让大多数观众能够了解其想法、理解其寓意。设计者必须从身边出发,从实际生活中选取素材进行创造加工,创作出作品,而想象力在此则是起着至关重要的作用。因为想象力,设计者才可以设计出源于生活高于生活的作品。一个优秀的平面设计作品可以提高人们的美学观念、丰富人们的精神生活,而且不同文化的差异也会被它体现,激发人们潜在的灵感和想象力。
二、设计引起观者共鸣的作品
创意中需要想象力,要进一步认识和掌握想象力的一些规律及特点,对平面创设计中的创意表现加以考察,平面设计的切入点才能被找到。不管是什么样的作品,其目的最终是要引起观者共鸣。平面设计艺术犹如一本书,这本书就是要把设计者设计的具体形象和设计思想情感传达给观者。通过设计者的想象,把想象运用于创作中,最终创造想象出作品。如果经过设计的作品不能引起观者的共鸣,其就失去了现实的创作价值,也许有一定的审美价值,但是平面设计作品的最大作用应是唤起观者对生活中某些事物的注意力与兴趣,并对作品引起共鸣,这才是设计的目的。不脱离实际的设计才能被观者感知,而不会使他们感到陌生遥远。
三、培养学生观察作品的能力
观察力和思维想象力有着密切的关系,通过观察可以把作品特色印入心里。培养学生的想象力,要从培养学生的观察力入手。作为一名合格的设计者,当一个好的平面设计作品摆在面前,第一步就必须要会认真地有针对性的观察作品。首先观察作品的特色和作品优势,发现作品对所起到的正面作用等;其次要观察作品的设计意图,思考设计者设计制作作品的流程;最后还要观察作品是否有能够进一步改善的地方,若是自己又该如何设计制作等。学会对作品进行观察后,我们还应该进一步培养学生对社会、对现实世界进行观察,以一个平面设计师的身份去观察世界。老师可以引导学生在学习活动中确立观察中心点,然后让学生详细地说出观察到的情况,只有观察得越仔细,才能想象的越准确。
四、鼓励学生在平面设计中联想加工
想象力的发挥符合大众正常思维模式特点,对大众思维具有积极向上的引导作用,并不是完全天马行空脱离实际。作为一名设计者,必须要保持想象力运用的自然、巧妙、准确。有时候想象是遏制不住的自然迸发,但有时候又会没有灵感、毫无头绪。为此,教师要教会学生联想的方法。设计中的想象力就是从自然生活中的事物联想加工得来的。每个设计者都有自己独特的思维模式,因此利用想象力表现出来的观察事物的角度、方式也就不同,这也导致最终创作出的平面设计作品风格、内涵也就各不相同。每一件平面设计作品都与生活有着很密切的联系,同时都凝聚着设计者的思绪和情趣,反映出对生活喜爱、愤怒、哀伤、快乐感受,有时也能够反映出一段耐人寻味的故事。用想象力设计的丰富、不同寻常的作品时,要注意发挥想象力并不是脱离实际,而是在尊重实际的基础上进行联想加工,创造出能够准确表达设计者想法的平面设计作品。平面设计主要是设计者通过对实际生活、身边事物的联想,利用自身想象力对已有事物进行平面设计创作。平面设计是一门面对大众审美的艺术,设计者应利用想象力在平面设计中的特性,设计符合时代与社会潮流、适应社会发展,引起大众共鸣的作品。想象,使嫦娥奔月的美丽神话终于载入不朽史册。然而,要培养出学生的想象力,需要一个长期不懈、循序渐进的训练过程。但精诚所至,金石为开。只要我们锲而不舍,有朝一日,学生就会达到“思接千载,视通万里”的境界。
参考文献:
[1]张振椿.谈平面设计中的创意.西部皮革,20xx.01,第32页.
[2]周道君.中职平面设计教学研究.山西青年,20xx.08,第206页.
平面设计有着悠久的历史,不论是中世纪,工业革命时期,还是当今信息时代,平面设计都起到了重要的作用并与科技紧密相连。
当最初的人类,开始用结绳记事,堆石计数时,文字在不知不觉中发明了,而当时的文字,则刻画在洞穴的石壁上,以图画和符号的形式表现了出来,这,也是平面设计的雏形。它伴随着图画和符号而生,随着语言文字的发展而发展。
印刷术的发明,给世界,尤其是欧洲平面设计的发展带来了质的飞跃,1450年,德国人古登堡完善了此前的活字印刷技术,使之成为了现代主要的印刷手段,成为了平面设计的真正推动力。使得欧洲摆脱了中世纪手抄本效率低的状况,促进了平面设计的发展。
工业革命之后,平面设计再次迎来了新的契机,滚滚的蒸汽让印刷术得到了飞速的发展,不但大大降低了印刷成本,也使得平面设计走向了普通大众。报纸的飞速发展促进了广告业的发展,也使得平面设计进入了一个完全崭新的时代。
石板印刷技术的成熟,释放了一大批艺术家的创造力,他们通过石板印刷,设计了许多富有激情和魅力的作品,尽管由于高成本,石板印刷被摄影技术取代,
信息时代下,摄影技术的蓬勃发展,计算机网络的普及,PS技术被广泛运用,平面设计开始绽放独特的魅力,人们通过各种现代工具,通过剪裁、变形、拼接、滤镜等工具完善和修改摄影作品,使得作品尽显本质之美的同时,也让平面设计融入了人们生活中的方方面面,给予了人们完美的视觉体验。
【摘要】改革开放以来,我国经济发展迅速,经济的发展带动了文化产业的繁荣。数字摄影技术的出现,为我国文化产业注入了新的活力,数字摄影在平面设计中的应用也越来越广泛。检验一个平面设计作品的好坏,最重要的因素是对图像的设计和展现。数字摄影技术是数字时代发展的产物,通过这种技术能够对图像数字进行全方面处理,提高设计作品的清晰度,丰富作品颜色的表现程度。
【关键词】数字时代;摄影技术;平面设计;应用研究
一、分析数字时代摄影技术的发展现状
(一)数字摄影技术较传统摄影技术的优势
随着数字设备的不断发展,数字图像处理系统也在进一步完善,传统的摄影设备已经不能满足设计师更多的需求,为了追求更高的作品质量,越来越多的人选择新型的专业的单反相机,新型的专业的单反相机成像质量高,可以根据设计师的要求自由变换镜头,除此之外,更高级的数码相机在设计上更加完善,配备了专业装置,成像质量完全能够满足设计师的要求,设计师通过调整这些装备,控制相机的操作,能够在数码相机上完成对图片的简单处理。同时,为了提高相机的灵活性,控制软件进入人们的视线,将控制软件安装在计算机上,不仅提高了相机使用的灵活性,同时也降低了图片制作的成本。
(二)数字摄影存在的问题
数字时代的发展促进了数字摄影技术的发展,数字摄影技术的特点是显而易见的,但是在发展的背后也存在一定的问题,我们要用辩证的观点去看待这些问题。由于数字摄影技术的便捷性,人们记录事件往往借助数字摄影技术。在传统的设计理念当中,设计师在创造每一张图片时都经过了严格的设计,作品的光线、角度、构图等都经过深思熟虑的计算和设计。如今在数字时代,数字摄影技术能够自动解决这些问题,选择出最适合的参数,表面来看,虽然节省了时间和人力,但是从另一个深层次的角度来分析,会导致摄影师养成坏的拍摄习惯,使设计师的心态变得草率和浮躁,在面对一些设计物体时不进一步研究和思考,对待摄影的态度也发生了改变。总而言之,数字时代的摄影技术还有一定的进步空间,在稳定性方面还需要进一步改善,力求达到最好效果,提高我国平面设计的总体质量。
二、数字影像对视觉真实性的颠覆
(一)平面设计创新是根本
生活水平和生活质量的提高,使人们对艺术有了更高的追求,缺乏创新的艺术已经不能满足人们的要求,创新能力的高低决定着平面设计的质量。创新体现在多个方面,创作手法、创作理念等都属于创新的一部分。数字时代摄影技术的发展也需要创新,将创新的理念和内容与数字时代的摄影技术相结合,不仅能够拓宽作品创作手段,还能从多方面展示新的数字形象。借助数字时代的摄影技术能够制造出真实可信的事物影像,设计师利用新型的摄影设备,选取自己所需要的素材,将这些数字进行重组,再根据重组后的数据设计出合适的模板,借助计算机技术,通过专业的软件进行新的创作,创造出新的设计作品,这样得到的效果是一种新的视觉体验。这种创意十足的处理办法,最主要是抓住了人们的好奇心理,设计出的作品更能吸引人们的关注,表面上这种处理方式是利用视觉效果进行修饰,实际上是一种复杂的二次创造的过程,将人们脑海中原有的形象打破,产生一种新的视觉形态。
(二)数字技术色彩形象
图像处理软件是数字时代摄影技术在平面设计中的应用,它具有独特的优势,可以满足设计师多样的需求,设计师可以根据自己的理念和想法,利用图像处理软件进行编辑,还可以对不同的模式进行自由切换和组合。色彩是平面设计作品带给人的第一感受,是最直接、最有影响力的因素,在人们一直以来的观念里,不同的色彩代表了不同的意境,不同地区的人们对色彩的理解也各不相同。对于设计师而言,熟练灵活掌握并应用色彩,是提高作品质量的重要因素,通过对色彩的处理,激发人们的情感体验。而图像处理软件就能借助数字化技术对平面设计作品进行颜色上的修改,通过色彩的变化和填充,使作品能够与观者产生情感共鸣。
三、结语
综上所述,摄影和平面设计都是我国文化产业发展中的重要组成部分,它们不仅能够带给人们视觉上的享受,还能给予人们心灵上的慰藉,二者之间是相互影响,相互作用的关系。在当今这个数字化时代,将二者有机结合在一起,既有利于我国文化产业的发展,创造出更多有艺术价值的平面设计作品,也有利于提高我国文化创造的创新意识,满足人们的文化需求。
参考文献:
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摘要:Photoshop是Adobe公司的一款优秀图像处理软件,在业内具有较高的认可度,借助它强大的位图素材处理功能,可以满足现代平面设计的大量需求、达到满意的效果。当前,互联网技术所构建的“读图时代”对于图像数字化的要求越来越高,基于Photoshop环境下的平面设计也面临着新的挑战和诉求,本文中针对这一问题展开研究,并提出一些合理化建议。
关键词:Photoshop软件;平面设计;读图时代;设计理念
1、Photoshop环境下的平面设计优势
第一,位图处理优势突出。图片存储形式整体上可划分为位图和矢量图两类,矢量图是计算机软件生成的特殊图像格式,它所占空间小、清晰度高、不失真,但由于图像每一种元素都独立成为“个体”,因此不存在过渡色,在视觉效果上远不如位图。相对而言,位图是基于图像色彩组合而形成的图片格式,因此它的图像丰富但文件较大,分辨率调整过高会导致失真。Photoshop是针对位图处理设计的一款软件产品,在进行平面设计的过程中,可以有效地实现位图元素的分割、组合,满足不同色彩之间的过渡需求,从而产生更加绚丽多彩的视觉效果。第二,符合工业印刷标准。计算机硬件设计中智能识别RGB颜色,这与标准印刷工业的需要存在较大差异,Photoshop引入了数字图形编辑和创作的工业化标准,通过融合CMYK功能来配合印刷产业,这极大地释放了Photoshop在平面设计的生产力。第三,分层选区特色工具。平面设计绝大多数情况下是进行“图片处理”,现代社会可直接获取数字化图片的途径很多,如智能手机、数码相机等设备,原始图片以位图形式存储,可导入Photoshop软件进行必要的修饰,以提升整个图片的美感。图片修饰基于添加、删减和变化三个途径,在分层机制下利用选取工具可以实现快速抠图、拼接、局部修改等操作,同时配合各种滤镜功能,如曲线调整(明度、亮度、饱和度)、滤镜工具等,可以实现更加完美的视觉效果。
2、Photoshop环境下的平面设计原则与流程
2.1设计原则
一方面,坚持数字化与实体化统一的原则。随着Photoshop系列软件产品的更新升级,不仅为平面设计人员提供了更多的实用工具,同时也提高了图像质量标准,如清晰度、保真度等,客观上对软件搭载平台的需求越来越高,这导致硬件负担过大,在计算机性能无法达到的情况下工作无法顺利的开展。同时,数字化图片在色彩、形状等方面的设计较为“随心所欲”,尽管在屏幕展示效果上较为出色,但处于工业化印刷的需求并不能保障一致性,如一些特殊颜色的调配、形状裁切等,会消耗大量的成本和资源。另一方面,要坚持艺术性和生活性的统一原则。艺术是对生活的抽象、重塑,在表现形式上大量应用夸张渲染的方式,但艺术来源于生活,在进行平面设计过程中不能脱离人们的基本认知,一味地追求“眩目”、“袭人眼球”的效果。Photoshop提供了大量插件、滤镜等工具,设计师应该慎用、巧用,从整体上把握好图片的协调性、条理性,使其符合形体美、布局美。
2.2设计流程
本质上讲,Photoshop是一款计算机图像处理软件,与平面设计最终的效果并没有直接关联,恰如食材、厨具和厨师的关系,不同的厨师利用同样的厨具处理同样的食材,最终味道也不可能完全一致。因此,Photoshop环境下的平面设计主体是人,而不是软件工具;基于Photoshop工具性的特色分析,在进行平面设计过程中可遵循以下流程。第一,了解设计需求。设计者在平面设计工作中占据主导地位,只有先了解客户的设计需求,才能进行相关的素材准备工作。一般而言,了解设计需求的方式包括直接交流、问卷调查、市场分析等,在当前市场经济体制下各行业不断细分,也为了解设计需求提供了较大便利。第二,准备设计素材。设计素材对于平面设计而言,犹如建筑的基本材料,其获取方式包括拍摄、购买或客户提供,一些原创性设计则需要灵感自主规划。第三,构思设计框架。一个完整的平面设计作品中包括了各种不同的元素,如背景、主体、配饰、文字等,成功的作品不是简单的元素堆砌,需要将艺术审美结合起来,体现出明确的设计意图。尤其在商业化平面设计中,要具备一定的营销价值。第四,筛选设计元素。平面设计过程中发生变动的机率很高,一般来说,设计师都会提供多种风格的作品供客户选择,整个过程是双方意见达成一致的过程,不排除新的变量进入,如领导意见、员工意见等。以此为依据展开设计元素的筛选,可以规避大量重复劳动。第五,确定设计风格。设计风格是一个平面设计作品的格调,不同需求下的风格不同,如广告、海报、产品手册、企业文化等,在设计的过程中要选择与之相适应的颜色和字体。如对于传统文化产品的生产客户而言,在设计风格上应该选择“中国风”而不是“时代潮流”,这样可以提高受众的共鸣。第六,作品调整与制作。确定风格、元素、布局等全部内容之后,需要进一步检查是否存在缺陷和问题。Photoshop环境下平面设计过程中会采用大量的层次和图组,其中可能会隐含一些难以观察到的缺陷,因此调整不仅仅是针对浏览界面,在制作界面也同样需要条理性,如字体、图形、排版格式、色彩过度等,可以将相同类型的元素归结在一起(不影响效果的前提下),做好相关的备注,便于后期的检查和修改。以上内容是针对Photoshop环境下平面设计的一般原则和流程讨论,但是并不具备硬性要求的特征,平面设计师可以根据自己的习惯摸索出更具有个性化、更科学的方案,从而有效地提高工作效率。
3、结束语
总体而言,Photoshop作为一款功能卓越的平面设计工具得到了广泛应用,相对于传统的手工绘画、制作,可以节约大量的人力资源、成本。当前,我国市场上也涌现越来越多的教育学习资源,这有利于人们在Photoshop环境下探索更好的流程、模式、技巧,从长远角度分析,Photoshop环境下的平面设计会向工业印刷标准化和图像数字化两个维度发展,最终实现产业的独立性,并建立密切的合作关系。
参考文献
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